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미술에도 전통 미술이 있는 것과 실용 미술이 나눠져 있나요
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.보통 미술은 크게 전통 미술과 실용 미술로 나눌 수 있습니다. 대부분 전통 미술은 주로 감정이나 주제를 표현하는 데 중점을 두며, 회화, 조각, 판화 등 다양한 형태로 존재합니다. 보통 이러한 작품은 주로 갤러리나 미술관에서 감상되며, 예술가의 창의성과 개인적인 경험이 중요한 요소로 작용합니다. 이 분야의 예로는 유명 화가들의 유화나 조각상이 있습니다. 이러한 작품들은 그 자체로 미적 가치가 높고, 감정이나 사상을 전달하는 매개체 역할을 합니다.그러나 반면, 실용 미술은 기능성과 미적 가치를 동시에 고려하는 분야입니다. 디자인, 그래픽 아트, 패션, 건축 등이 포함되며, 일상생활에서 사용되는 제품이나 공간의 형태와 사용성을 고려하여 만들어집니다. 예를 들어, 가구 디자인은 기능적으로도 유용해야 하지만, 동시에 시각적으로도 매력적이어야 합니다. 또한, 패키지 디자인은 상품의 브랜드 이미지를 구축하고 소비자의 주목을 끌기 위해 미적 요소와 실용성을 결합합니다. 이처럼 캔버스에 그린 그림은 전통 미술의 한 형태로, 감정을 표현하거나 특정 주제를 탐구하는 데 중점을 둡니다. 그러나 이러한 작품도 실용 미술과 연결될 수 있는 부분이 있습니다. 예를 들어, 벽화나 특정 공간을 꾸미기 위한 아트워크는 단순히 감상하기 위한 것이 아니라, 공간의 분위기를 조성하고 사용자에게 긍정적인 경험을 제공하는 기능을 합니다.그러니 결국, 전통 미술과 실용 미술은 서로 다른 목적과 접근 방식을 가지고 있지만, 종종 서로의 경계를 허물며 다양한 형태로 발전하고 있습니다. 이러한 두 분야는 각각의 독특한 매력을 지니고 있으며, 현대 사회에서 모두 중요한 역할을 하고 있습니다. 미술을 이해하고 감상하는 데 있어 이 두 가지 분야의 특성을 알고 있는 것은 매우 유익하다고 할수있지요제가드린 답변이 조금이나마 미술을 이해하시는 데에 도움이 되었기를 바라겠습니다.감사합니다~ : ) `
학문 / 미술
24.10.30
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김홍도 씨름도,서당도에 대해서 질문
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.말씀해주신 김홍도의 <씨름도>와 <서당도>는 조선 후기의 대표적인 풍속화 작품으로, 그 시대의 사회적 풍경과 인물의 일상적인 모습을 생생하게 담아내고 있습니다. 두 작품은 김홍도의 독특한 시각과 표현 기법을 통해 조선 시대의 문화와 정서를 엿볼 수 있게 합니다. 보통 씨름도 이 작품은 씨름을 하는 장면을 중심으로 하여, 당시 남성들의 여가 활동과 공동체의 연대감을 표현합니다. 씨름은 단순한 스포츠가 아니라, 지역 사회의 축제와 관련된 중요한 행사였으며, 사람들의 결속력을 나타내는 중요한 요소로 작용했습니다. 그리고 서당도이 작품은 어린이들이 서당에서 배우는 모습을 그린 것으로, 교육과 배움의 중요성을 강조합니다. 서당은 당시 아이들이 한자로 배우고, 인성을 기르기 위한 공간으로서, 어린이들의 순수한 모습과 스승의 권위가 잘 드러납니다. 두 작품 모두 조선 후기의 사회적 분위기를 반영하고 있습니다. 이 시기는 상업과 도시 문화가 발전하면서 사람들의 일상적인 모습이 더욱 다양해진 시기였습니다. 김홍도는 이러한 일상성을 포착하여 자연스럽고 생동감 있는 장면을 그렸습니다.일반적으로 김홍도는 수묵담채 기법을 사용하여 부드러운 색감과 선명한 윤곽을 강조했습니다. 이는 인물의 표정과 동작을 더욱 사실적으로 표현하는 데 기여하였고, 전반적으로 따뜻하고 친근한 느낌을 줍니다. 보통 두 작품 모두 인물들이 중심에 배치되며, 배경은 상대적으로 단순하게 처리되었습니다.왜냐하면 이는 관람객이 인물에 집중할 수 있도록 도와주며, 작품의 주제를 명확하게 전달합니다. 또한, 씨름도에서는 인물 간의 역동적인 움직임이 강조되어 생동감을 주며, 서당도에서는 아이들의 순수한 모습이 부각됩니다.인물들은 생동감 있게 묘사되며, 각기 다른 표정과 자세로 감정을 전달합니다. 씨름도에서는 힘찬 자세와 긴장감이 느껴지며, 서당도에서는 순수한 학습의 모습을 통해 그들의 호기심과 기대감이 잘 표현되어 있습니다.그래서 이는 김홍도가 인물의 심리적 요소를 섬세하게 반영하고 있음을 보여줍니다.제가 말씀드린 답변이 조금이나마 도움이 되었기를 바랍니다.씨름도와 서당도에 대한 이해가 되는 계기가 되셨기를 바래요~
학문 / 미술
24.10.30
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미술 배우고 싶은데 어디로 다녀야 할까요?
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.보통 미술을 배우고 싶으시다면 가까운 미술학원이나 화실을 찾아보세요. 많은 학원에서는 초보자를 위한 기초 과정이 마련되어 있습니다. 기본적인 드로잉, 수채화, 아크릴화 등을 배울 수 있습니다. 수업은 소규모로 진행되어 개인적인 피드백을 받을 수 있는 장점이 있습니다. 지역 커뮤니티 센터나 문화센터에서도 미술 수업을 제공합니다. 보통 저렴한 가격에 기초 미술 과정을 수강할 수 있고, 다양한 연령대와 수준의 사람들과 함께 배울 수 있습니다. 그리고 요즘은 다양한 온라인 플랫폼에서 미술 강좌를 제공하고 있습니다. 유튜브, 코세라, 에드엑스 등에서 초보자를 위한 무료 또는 유료 강좌를 찾아볼 수 있습니다. 이러한 강좌를 통해 기본적인 기술을 익힐 수 있습니다. 그리고 일부 미술 단체나 갤러리에서는 자원봉사자를 모집하며, 미술 관련 경험을 쌓을 수 있는 기회를 제공합니다. 실무 경험을 쌓으면서 동시에 미술에 대한 이해도를 높일 수 있습니다. 또는 지역에서 진행되는 미술 워크숍에 참여해 보세요. 주말이나 방학을 이용해 짧은 시간 동안 집중적으로 배울 수 있는 기회를 제공합니다. 주제별로 다양한 프로그램이 있어 흥미로운 경험이 될 수 있습니다. 미술을 처음 배우는 친구나 가족과 함께 수업을 듣는 것도 좋은 방법입니다. 서로의 작품에 대해 이야기하고 피드백을 주고받으며 더욱 즐겁게 배울 수 있습니다. 뭐든지 시작은 어렵지 않습니다. 미술을 배우는 과정에서 즐거움을 느끼시길 바라며, 다양한 경험을 통해 자신만의 스타일을 찾으시길 응원합니다! 제가 드린 답변이 조금이나마 도움이 되셨을런지요~?
학문 / 미술
24.10.30
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초현실주의가 현실을 다루는 방식은??
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.음.. 초현실주의는 20세기 초반에 등장한 예술 사조로, 현실을 다루는 독특한 방식이 특징입니다. 이 사조는 주로 꿈, 무의식, 환상 등을 통해 현실을 탐구하고, 일반적인 인식의 경계를 넘으려 했습니다. 초현실주의는 프로이트의 정신분석 이론에 큰 영향을 받았습니다. 예술가들은 무의식의 세계를 탐구하고, 꿈과 현실의 경계를 허물어가는 방식으로 작품을 창조했습니다. 이들은 꿈에서 얻은 이미지를 활용해 현실의 제약을 초월하고, 인간의 내면 세계를 드러내고자 했습니다. 초현실주의 작품은 종종 일상적인 사물이나 인물들이 비현실적이거나 기이한 방식으로 결합된 이미지를 특징으로 합니다. 보통 이러한 비현실적인 요소들은 관람객에게 강한 충격을 주며, 현실을 다른 시각에서 바라보도록 유도합니다. 예를 들어, 살바도르 달리의 작품에서는 사물들이 비정상적으로 변형되거나 배치되어 현실의 고정관념을 깨뜨립니다.초현실주의 예술가들은 의도적으로 우연적인 요소를 작품에 포함시켜, 예측할 수 없는 결과를 추구했습니다. 이들은 예술적 과정에서 자발성과 무질서를 강조하며, 이렇게 생성된 이미지를 통해 새로운 현실을 창출하고자 했습니다. 초현실주의는 이성적인 사고보다는 감정과 상상력을 강조합니다. 그리고 예술가들은 개인의 감정이나 상상력을 통해 새로운 현실을 만들어내려 했으며, 이를 통해 인간 존재의 복잡성과 모순을 탐구했습니다. 일반적으로다가 초현실주의는 현실을 단순히 재현하는 것이 아니라, 새로운 방식으로 재구성합니다. 현실 세계의 요소들을 조합하여 독창적인 비전을 만들어내고, 이를 통해 관람객이 스스로의 인식을 질문하게 만듭니다. 그러니 결론적으로, 초현실주의는 무의식, 꿈, 상상력 등의 요소를 통해 현실을 새로운 시각으로 탐구하며, 관람객에게 깊은 감정적 및 지적 경험을 제공합니다. 대체로 이러한 방식은 단순히 현실을 반영하는 것을 넘어, 인간 존재의 복잡성을 드러내는 데 기여합니다. 제가 드린 답변이 조금이나마 도움이 되었기를 바라겠습니다.초현실주의가 현실을 다루는 방식에 대해 이해가 되셨기를 바래요
학문 / 미술
24.10.30
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현대 미술에서 추상화가 등장한 배경은?
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.대체적으로 현대 미술에서 추상화가 등장한 배경은 20세기 초, 특히 제1차 세계대전과 제2차 세계대전 후, 사회와 문화는 큰 변화의 시기를 겪었습니다. 이러한 시대적 혼란 속에서 많은 예술가들은 기존의 전통적인 미술 형식과 규범을 부정하고, 새로운 표현 방식을 찾고자 했습니다. 추상화는 이러한 변화에 대한 반응으로, 감정이나 사상을 표현하는 새로운 방법으로 자리 잡았습니다. 인쇄 기술, 사진술 등 기술의 발전은 예술의 개념을 변화시켰습니다. 특히 사진이 대중화됨에 따라, 미술의 역할이 "현실을 재현하는 것"에서 "감정과 개념을 전달하는 것"으로 바뀌게 되었습니다. 이는 예술가들이 현실에서 벗어나 보다 자유롭게 추상적 형태와 색채를 탐구하도록 자극했습니다.20세기 초, 비트겐슈타인, 칸트와 같은 철학자들의 영향을 받아, 현실의 객관적 재현보다 개인의 주관적 경험을 강조하는 경향이 나타났습니다. 이는 예술에서도 나타나, 추상적 표현이 개인의 내면 세계와 감정을 탐구하는 수단으로 자리 잡게 되었습니다. 그리고 시간이 가며 다다이즘, 초현실주의, 표현주의 등 다양한 현대 미술 운동들은 추상화의 발전에 기여했습니다. 이들 운동은 기존의 미술 이론에 도전하고, 새로운 예술적 표현을 실험하는 과정에서 추상화의 형성을 촉진했습니다. 작가들은 새로운 재료와 기법을 사용하며, 형식과 색상을 통해 자신만의 독창적인 비전을 표현하고자 했습니다. 카지미르 말레비치, 바실리 칸딘스키, 피에트 몬드리안 등은 추상화의 기초를 다진 예술가들로, 주로 이들은 형태와 색상의 관계를 탐구하며 순수 추상의 가능성을 열어갔습니다. 결론적으로, 현대 미술에서 추상화가 등장한 배경은 사회적, 기술적, 철학적 변화와 다양한 예술 운동의 영향을 받으며, 예술가들의 실험적 접근이 결합된 결과입니다. 이러한 배경은 추상화가 단순한 미술 형식이 아니라, 현대 예술의 중요한 흐름으로 자리 잡게 한 요소들이라고할수있겠습니다. 제가 드린 답변이 도움이 되셨기를 바랍니다.현대미술에서 추상화가 등장한 배경이 이해가 되셨으면 좋겠네요
학문 / 미술
24.10.30
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인상파 화가들이 빛의 변화에 초점을 맞춘 이유가 무엇인가요?
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.인상파 화가들이 빛의 변화에 초점을 맞춘 이유는 여러 가지가 있습니다. 인상파 화가들은 자연을 그리는 데 있어 순간의 변화를 포착하려 했습니다. 빛은 시간에 따라 변화하기 때문에, 그들이 바라보는 장면에서의 빛의 상태를 표현함으로써 순간의 감정을 전달하고자 했습니다. 이들은 특히 햇빛의 각도와 그에 따른 색상의 변화를 관찰하여, 그 순간의 느낌을 정확하게 재현하려고 했습니다. 인상파 화가들은 전통적인 방식과 달리 짧고 두꺼운 붓터치를 사용했습니다. 이를 통해 빛과 그림자의 상호작용을 자연스럽게 표현하고, 색상 간의 대비를 강조하여 생동감 있는 작품을 만들어냈습니다. 이러한 기법은 빛의 미세한 변화도 잘 포착하게 했습니다. 인상파 화가들이 사용한 색상 조합은 관람객에게 강한 감정적 반응을 불러일으킵니다. 이런 색상들은 빛의 변화와 함께 어우러져, 자연의 순간적인 아름다움을 더욱 강조합니다. 빛이 주는 심리적 효과는 감정적인 반응을 이끌어내고, 관람객이 작품에 몰입하게 만듭니다. 그리고 보통 인상파 화가들은 주관적인 경험을 중요하게 생각했습니다. 빛의 변화는 그들이 느끼는 감정과 연관되어 있어, 그 순간의 느낌을 표현하는 중요한 요소로 작용했습니다. 그렇기 때문에 인상파화가들은 이를 통해 관람객에게도 그 순간의 감정을 전달하고자 했습니다.결론적으로, 인상파 화가들이 빛의 변화에 초점을 맞춘 것은 자연의 순간을 포착하고, 색상 조합을 통해 감정적인 경험을 전달하기 위함이었습니다. 대체로 이러한 접근은 그들의 작품이 현대 미술에 미친 큰 영향을 설명해 줍니다제가 드린 답변이 조금이나마 도움이 되셨기를 바라도록 하겠습니다!~감사합니다.
학문 / 미술
24.10.30
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신사임당 초충도 그림중에서 이 부분.
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.궁금해하시는 저 노란꽃은 물봉선화로 알려져 있습니다.https://sarak.yes24.com/blog/jasper10/review-view/9306083신사임당의 <초충도>에서 나타나는 노란색 물봉선화는 이 작품에서 중요한 의미를 가질 수 있습니다. 물봉선화는 그 아름다움과 함께 여러 상징적 요소를 내포하고 있으며, 다음과 같은 해석이 가능합니다. 물봉선화는 고유의 색상과 형태로 자연의 아름다움을 상징합니다. 신사임당은 자연을 세밀하게 관찰하고 표현한 화가로, 이 꽃을 통해 자연의 조화와 생명력을 강조하고자 했을 것입니다. 노란색은 일반적으로 밝고 긍정적인 색으로, 생명력과 희망을 상징합니다. 물봉선화가 피어 있는 모습은 생명과 성장을 나타내며, 조선 시대 여성의 삶과 관련된 희망적인 메시지를 담고 있을 수 있습니다.물봉선화는 전통적으로 부귀와 번영을 상징하는 식물로 여겨지기도 합니다. 따라서 이 꽃이 작품에 포함됨으로써, 신사임당이 전하고자 했던 행복과 풍요의 메시지가 강조될 수 있습니다. 신사임당은 여성 화가로서 자신의 감성을 표현하기 위해 꽃을 선택했을 가능성이 큽니다. 물봉선화는 따뜻한 느낌을 주며, 여성의 애정이나 감정을 상징적으로 나타낼 수 있습니다.그러니 결론적으로, 노란색 물봉선화는 신사임당의 <초충도>에서 생명, 아름다움, 희망의 상징으로 해석될 수 있으며, 이를 통해 자연과 인간의 관계를 탐구하는 중요한 요소로 작용합니다. 이 꽃의 의미를 깊이 이해함으로써 작품을 더욱 풍부하게 감상할 수 있을 것입니다.제가 드린 답변이 도움이 되셨기를 바라도록 하겠습니다~ : )
학문 / 미술
24.10.30
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클레이로 피규어 만들기 입문 질문..
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.음.. 보통 클레이로 피규어를 만드는데 몇가지 클레이종류가있는데 일단 폴리머 클레이는 주로 오븐에 구워서 경화되는 클레이입니다. 여러 색상이 있으며, 구운 후에도 튼튼하고 가벼운 특성이 있습니다. 근데 하지만 오븐이 필요합니다. 에어 드라이 클레이 공기 중에서 자연스럽게 굳는 클레이입니다. 구워야 할 필요가 없으며, 다양한 브랜드가 있으며, 대개는 비교적 부드럽고 작업하기 쉽습니다. 대체적으로다가 이 클레이는 굳을 때 갈라질 수 있지만, 적절한 수분 조절과 두께를 유지하면 문제를 줄일 수 있습니다. 종이 클레이: 종이 섬유가 혼합된 클레이로, 가벼우면서도 부드럽고 자연스럽게 굳습니다. 그리고 보통 물로 쉽게 작업할 수 있으며, 굳은 후에도 약간의 유연성을 가지고 있습니다. 클레이는 일반적으로 수분이 증발하면서 굳어집니다. 에어 드라이 클레이는 공기 중에서 서서히 마르며, 마르는 과정에서 표면이 경화되고 내부는 조금 더 오랜 시간 동안 부드러울 수 있습니다. 작업 후 두께가 두꺼운 부분은 마르는데 시간이 더 걸리므로, 그러니 따라서 균일한 두께로 만들고 건조 과정에서 완전히 말리는 것이 중요합니다. 오븐을 사용하지 않고도 클레이로 피규어를 만들고 싶다면, 에어 드라이 클레이나 종이 클레이를 사용하는 것이 좋습니다. 이들 제품은 자연스럽게 공기 중에서 말라 굳어지며, 오븐이 필요하지 않습니다.드라이하기 방법: 작업 후, 클레이를 평평한 곳에 놓고 통풍이 잘 되는 곳에서 자연 건조시킵니다. 두꺼운 부분이 있는 경우, 마르는 시간을 고려하여 일부분만 먼저 건조시키고 그러고나서 그 후에 전체적으로 건조시키는 방법도 유용합니다.제가 드린 답변이 조금이나마 도움이 되셨기를 바랄게요~그럼 이만 줄이도록 하겠습니다 ~ ^.^
학문 / 미술
24.10.30
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이거 어디서 하는 전시인지 알고싶어요
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.서울 전시회 추천 국립현대미술관 서울관 전시추천 접속하는 몸현재 국립현대미술관 서울 에서는 서울전시추천 <접속하는 몸‒아시아 여성 미술가들> 전시회가 열리...m.blog.naver.com여기 전시회는 국립현대미술관 서울관에서 열리는 전시 <접속하는 몸‒아시아 여성 미술가들>입니다.보통 현대 사회에서 아시아 여성의 경험과 정체성을 탐구하는 의미 있는 전시입니다. 이 전시는 다양한 매체와 기법을 통해 표현된 작품들을 통해 아시아 여성 미술가들의 목소리를 조명합니다. 전시 제목인 "접속하는 몸"은 현대 사회에서 신체와 디지털 세계의 상호작용을 강조합니다. 이는 신체가 단순한 물리적 존재가 아니라, 사회적, 문화적 맥락에서 다양한 의미를 가지며, 특히 아시아 여성의 정체성 형성에 중요한 역할을 한다는 점을 시사합니다. 전시에는 여러 아시아 여성 작가들이 참여하며, 그들의 작품은 각자의 문화적 배경과 개인적 경험을 반영합니다. 그리고 전시에는 비디오, 설치 미술, 회화 등 다양한 형식의 작품이 포함되어 있습니다. 각 작가는 자신이 속한 사회의 이슈를 반영하며, 보통 지금 사회적인 주제인 젠더, 정체성, 문화 간의 교류 등을 탐구합니다. 이 전시는 관람객에게 아시아 여성의 다양한 목소리를 전달하고, 그들의 예술적 표현이 사회적 담론에 어떻게 기여하는지를 보여줍니다. 국립현대미술관 서울관은 현대 미술의 흐름을 선도하는 공간으로, 전시는 관람객에게 새로운 시각을 제공합니다. 여기 이 전시회는 여러 가지 프로그램과 워크숍과 함께 진행되어, 관람객이 직접 참여하고 소통할 수 있는 기회를 제공합니다. 이 전시는 현대 미술에 관심이 있는 모든 이에게 추천할 만한 전시로, 지금 중요한 주제인 아시아 여성의 예술적 기여와 그들의 정체성을 이해하는 데 큰 도움이 될 것입니다. 이와 같은 전시는 사회적 이슈를 다루는 중요한 플랫폼이 되며, 예술이 사람들을 연결하고 대화를 촉진하는 방식으로 기능할 수 있음을 보여줍니다. <접속하는 몸‒아시아 여성 미술가들> 전시는 단순한 관람을 넘어, 관람객이 자신의 경험과 연결 지을 수 있는 전시회라고 생각하시면 좋을듯합니다.제가 드린 답변이 도움이 되셨기를 바라고 또 기원하겠습니다 감사합니다~그럼이만 줄이도록 하겠습니다 : )
학문 / 미술
24.10.30
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클리오 라떼는 선임 비슷한 팔레트..
안녕하세요. 윤지혜 전문가입니다.음.. 보통 클리오의 라떼 팔레트는 부드러운 톤과 자연스러운 색조로 구성되어 있어, 봄웜라 피부톤에도 잘 어울릴 수 있습니다. 이 팔레트는 핑크끼가 적어 겨울철에도 무난하게 사용하기 좋습니다. 그리고 라떼와 릴바레 초코칩스모어 비교를 해보자면 와의 색상 비교를 생각할 때, 두 팔레트 모두 부드럽고 따뜻한 색감을 가지고 있습니다. 라떼는 주로 브라운과 베이지 톤이 강조된 반면, 초코칩스모어는 조금 더 다채로운 톤을 제공합니다. 하지만 전반적으로 비슷한 느낌을 줄 수 있어, 서로 조화롭게 사용할 수 있을 것입니다. 핑크끼 없는 봄웜라 팔레트로는 자연스러운 브라운과 뉴트럴 톤으로 구성되어 있어, 아무래도 핑크가 없는 색조를 원하시는 분께 적합합니다. 소프트하고 따뜻한 색감을 제공하며, 그리고 또한 펄이 없는 무펄 포뮬라로 구성되어 있습니다. 그리고 핑크가 아닌 따뜻한 오렌지나 베이지 톤으로, 자연스럽고 생기 있는 색감을 줍니다. 이 팔레트들은 핑크끼가 적고, 봄웜라 톤과 잘 어울리는 색상으로 구성되어 있으니 참고해 보세요. 제가 드린 답변이 조금이나마 도움이 되었기를 바라겠습니당 ~ .,.
학문 / 미술
24.10.30
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