답변 내역

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.정해진게 없다고 보면 될것 같습니다.지휘자나 단원들이 원하는 만큼의 연주력이 나올때까지 할수 있으면 좋겠지요~~다만 그럴수 없으니 제 생각에는 프로 오케스트라의경우 교향곡같은건 5~6번 리허설아마츄어는 10번은 해야 할걸요... 그런데 아마츄어가 대부분 각자의 다른 직업이 있기때문에 더 못맞추는것 같아요... 그러니 실력이 안올라올 수 밖에요 ㅋㅋ

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.프란츠 리스트(Franz Liszt)입니다.​원래는 피아노곡이 아니라 독일의 시인 루드비히 울란트의 시에 곡을 붙인 가곡이었으나, 이후 리스트가 피아노 독주곡으로 직접 편곡하여 발표한 **<사랑의 꿈(Liebesträume) 제3번>**이 오늘날 전 세계적으로 큰 사랑을 받고 있습니다.

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.맞습니다. 바로크 시대의 오케스트라와 비교하면 후기 낭만주의 시대의 오케스트라는 악기 수도 많아지고, 악기 종류도 크게 늘어났습니다. 단순히 작곡가들이 “더 크게 들리는 음악”을 원해서만은 아닙니다. 음악 자체의 변화와 악기 제작 기술, 공연장의 변화가 함께 작용했습니다.바로크작은 공간↓작은 앙상블↓통주저음 중심↓고전주의교향곡 형식 발전↓오케스트라의 표준화↓목관·금관의 역할 확대↓초기 낭만주의감정 표현 확대↓더 넓은 음역과 다이내믹↓오케스트라 확대↓후기 낭만주의새로운 악기 기술대형 공연장오페라의 발전음색에 대한 관심극단적인 감정 표현↓말러 · 바그너 · 리하르트 슈트라우스거대한 오케스트라로 이어진 것입니다.

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.그렇습니다. 아주 좋은 질문입니다!^^클래식 음악에서 Op. 5, K. 550, BWV 1043, D. 960 같은 번호는 얼핏 비슷해 보이지만, 사실은 서로 다른 방식으로 작품을 식별하는 번호입니다.핵심부터 말씀드리면,Op.는 주로 '출판된 작품의 번호', K·BWV·D·Hob. 등은 '작품 목록을 만든 사람이 붙인 카탈로그 번호'입니다.1. Op. = Opus, '작품번호'**Op.**는 라틴어 opus에서 온 말로 '작품'이라는 뜻입니다.예를 들어베토벤 피아노 소나타 Op. 13쇼팽 에튀드 Op. 10브람스 교향곡 1번 Op. 68처럼 씁니다.그런데 여기서 중요한 점이 있습니다.Op. 1 = 작곡가가 만든 첫 번째 작품이라는 뜻은 아닙니다.원래 Opus 번호는 특히 18~19세기에 작품이 출판될 때 붙는 출판 번호의 성격이 강했습니다. 출판사가 여러 곡을 한 묶음으로 출판하면서 하나의 Opus 번호를 부여하는 경우도 있었습니다. 따라서 작품의 작곡 순서와 정확하게 일치하지 않습니다. 예를 들어 베토벤의 Op. 2에는 피아노 소나타가 무려 3곡 들어 있습니다.피아노 소나타 1번 Op. 2 No. 1피아노 소나타 2번 Op. 2 No. 2피아노 소나타 3번 Op. 2 No. 3즉,Op. 2 = 출판된 한 묶음No. 1, 2, 3 = 그 묶음 안의 개별 작품이라고 이해하시면 쉽습니다.2. 그런데 모차르트는 왜 K. 550이라고 할까요?여기서부터 재미있어집니다.모차르트의 교향곡 40번은Symphony No. 40 in G minor, K. 550이라고 하지요.여기서 K. 550의 K는Köchel(쾨헬)의 K입니다.루트비히 폰 쾨헬이라는 학자가 1862년에 모차르트의 작품을 체계적으로 정리해서 **Köchel-Verzeichnis(쾨헬 목록)**를 만들었습니다. 그래서K. 550 = 쾨헬 목록에서 550번으로 분류된 작품이라는 뜻입니다.즉 모차르트가 "이것은 내 550번째 작품이다!"라고 붙인 번호가 아닙니다. 모차르트 사후 약 70년이 지나서 학자가 붙인 번호입니다.3. 그래서 작곡가마다 앞의 글자가 달라집니다이 부분을 표로 보면 굉장히 쉽습니다.Op.여러 작곡가작품번호(Opus)K. / KV모차르트쾨헬 목록BWVJ. S. 바흐바흐 작품 목록D.슈베르트도이치 목록Hob.하이든호보켄 목록HWV헨델헨델 작품 목록RV비발디리옹 목록WoO베토벤작품번호가 없는 작품 목록예를 들어바흐 바이올린 협주곡 BWV 1043에서 BWV는 Bach-Werke-Verzeichnis, 즉 바흐 작품 목록이라는 뜻입니다.슈베르트의피아노 소나타 D. 960에서 D는 슈베르트 작품을 정리한 음악학자 **오토 에리히 도이치(Deutsch)**의 이름에서 온 것입니다.하이든의교향곡 Hob. I:94에서 Hob.은 Anthony van Hoboken의 작품 목록입니다.도움이 되셨기를~~

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.맞습니다. 아주 중요한 변화입니다. 😊특히 모차르트 시대에는 협주곡의 카덴차(Cadenza)를 연주자가 즉흥적으로 만드는 것이 상당히 자연스러운 관행이었습니다. 그런데 오늘날에는 악보에 적힌 카덴차를 그대로 연주하는 경우가 훨씬 많아졌죠.그 이유는 단순히 "연주자들이 즉흥연주를 못하게 되어서"라기보다 연주 문화 자체가 바뀌었기 때문입니다.1. 당시에는 '작곡가 + 연주자'의 경계가 지금보다 흐렸습니다18세기에는 뛰어난 연주자가 곧 뛰어난 즉흥연주자이기도 했습니다.모차르트 자신도 훌륭한 피아니스트였고, 협주곡을 연주하면서 카덴차를 즉흥적으로 만들어 연주했습니다.당시 관객들도"악보에 없는 것을 연주한다"고 해서 이상하게 생각하지 않았습니다.오히려 연주자가 자신의 음악성을 보여주는 중요한 순간이었습니다.2. 19세기 이후 '작곡가의 작품을 충실하게 재현한다'는 생각이 강해졌습니다여기서 가장 큰 변화가 일어납니다.베토벤 이후 작곡가의 작품이 점점 하나의 독립적인 예술작품으로 인식되기 시작합니다.특히 낭만주의 시대를 거치면서"작곡가가 무엇을 의도했는가?"가 굉장히 중요해졌습니다.그래서 연주자는 작곡가의 악보를 자기 마음대로 바꾸기보다는 작곡가가 남긴 작품을 최대한 정확하게 재현하는 사람이라는 인식이 강해졌습니다.3. 음악원이 생기면서 '정확한 악보 연주'가 교육의 중심이 되었습니다19세기 이후 음악원과 콩쿠르 문화가 발전하면서 연주 교육도 체계화됩니다.학생들은음 하나하나 정확하게 연주하기리듬 정확하게 지키기작곡가의 지시를 지키기악보에 없는 음을 함부로 추가하지 않기등을 중요하게 배우게 됩니다.그러면서 즉흥연주 능력은 점점 전문 연주자의 기본 능력에서 벗어나기 시작했습니다.재미있는 것은 오늘날 피아노 전공생이 악보를 보고 정확하게 연주하는 능력은 뛰어나지만, 막상"자, 이제 이 선율을 가지고 1분 동안 즉흥연주해 보세요."라고 하면 상당히 어려워하는 경우가 많다는 것입니다. 😄4. 녹음의 등장도 엄청난 영향을 미쳤습니다20세기에 들어서면서 음반이 등장합니다.그러자 상황이 또 달라집니다.예를 들어 어떤 피아니스트가 베토벤을 연주해서 음반을 만들면, 그 연주는 수십 년 동안 그대로 남습니다.그러면서 연주자들은 점점"내가 오늘 어떻게 즉흥적으로 연주했는가"보다"이 작품을 얼마나 완성도 높게 재현했는가"에 집중하게 됩니다.그리고 명연주자의 연주가 하나의 '기준'이 되기도 했습니다.5. 콩쿠르와 국제적인 클래식 시장도 영향을 줬습니다현대 클래식 음악에서는 같은 곡을 전 세계 수많은 연주자가 연주합니다.예를 들어 모차르트 피아노 협주곡 20번을 연주한다면,"나만의 카덴차를 즉흥적으로 만들어 보겠다"보다는 이미 검증된 모차르트의 카덴차나 유명 연주자의 해석을 선택하는 것이 안전합니다.특히 콩쿠르에서는 더욱 그렇습니다.심사위원들이 기대하는 것은 대개정확성 + 음악성 + 스타일 + 작품에 대한 이해이기 때문에 즉흥적으로 카덴차를 만들었다가 작품의 스타일에서 벗어나면 오히려 위험할 수 있습니다.

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.■해금 — 중국 북방계의 현악기가 고려로해금은 가야금과 달리 “누가 발명했다”는 기록이 없습니다.해금은 중국 및 북방 유목민 계통의 호금(胡琴) 계열 악기와 관련이 있으며, 우리나라에는 고려시대에 들어와 정착한 것으로 봅니다. 국립국악원 자료에서도 해금의 기원과 유입을 별도의 역사적 과정으로 다루고 있으며, 고려시대에 이미 해금에 관한 기록이 나타납니다. 그리고 해금의 모습이 참 독특하죠.두 줄밖에 없는데도 음역이 상당히 넓습니다.더 재미있는 것은 손가락으로 줄을 지판처럼 눌러서 음을 만드는 것이 아니라, 줄과 줄 사이에 손가락을 넣어 줄을 잡으면서 음높이를 조절한다는 것입니다.그래서 서양의 바이올린처럼 지판 위에 손가락을 눌러 음을 만드는 악기와는 발음 원리가 상당히 다릅니다.■아쟁 — 고려시대에 들어온 중국계 악기아쟁은 세 악기 중에서 역사적으로 가장 흥미롭습니다.아쟁은 원래 중국의 고대 악기인 **‘알쟁(軋箏)’**에서 유래한 것으로 추정됩니다. 중국에서 활로 줄을 문질러 소리를 내는 악기였는데, 우리나라에는 고려시대부터 ‘아쟁’이라는 이름으로 등장합니다. 『고려사』의 악지에도 7현 아쟁이 당악기 편성으로 등장합니다. 이후 조선시대에는 궁중음악에서 중요한 역할을 하게 됩니다. 그런데 오늘 보신 아쟁과 옛날 아쟁은 상당히 다릅니다.원래 아쟁은 궁중음악용 악기였습니다. 그러다가 20세기에 들어서면서 산조아쟁이 만들어졌고, 우리가 오늘날 국악 공연에서 흔히 보는 작고 민첩한 아쟁은 이러한 발전 과정의 결과입니다. 1960년대 이후에는 개량 아쟁도 여러 종류가 만들어졌습니다

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.ㅋㅋㅋ 이번 논쟁은 사용자님 승리입니다! 😄두 곡 모두 부활의 대표곡이지만, 「희야」가 훨씬 먼저 나왔습니다.🎵 부활 – 「희야」 → 1986년이승철이 부른 부활 1집 《Rock Will Never Die》의 타이틀곡부활의 데뷔 앨범에 수록된 곡입니다. 🎵 부활 – 「사랑할수록」 → 1993년부활 3집 《기억상실》의 타이틀곡김재기가 녹음한 버전이 음반에 수록되면서 유명해진 곡입니다. 따라서 「희야」가 「사랑할수록」보다 무려 7년 먼저 발표됐습니다.재미있는 건 두 곡 모두 작곡가가 김태원인데, 「희야」는 김태원이 작곡한 곡이 아니라 양홍섭 작사·작곡입니다. 반면 「사랑할수록」은 김태원이 작사·작곡·편곡했습니다. 그러니까 남편분께 이렇게 말씀하시면 됩니다. 😆“여보, 희야가 1986년이고 사랑할수록이 1993년이래.7년 차이야. 이번에는 내가 맞았네? 😎

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.맞습니다. 핵심은 건반이 현을 어떻게 울리느냐의 차이입니다.아주 간단히 말하면,하프시코드 = 현을 '뜯는다'피아노 = 현을 '두드린다'이 차이 때문에 건반을 누르는 힘에 따른 음량 조절 가능 여부가 달라집니다.

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.친한 지인·아마추어 10~30만원전공자·전문 보컬 20~50만원웨딩 전문 가수 30~60만원방송경력·인지도 있는 가수 100~300만원+어느 정도 알려진 연예인 가수 300~800만원+유명 톱가수 1,000만원 이상도 가능전문 축가 시장 자체는 평균 20만원 정도라는 플랫폼 통계도 있지만, 이는 일반적인 축가 서비스 전체의 평균이라 '가수의 인지도'가 올라가면 완전히 다른 시장이라고 보셔야 합니다.

안녕하세요. 강경원 전문가입니다.《메시아》가 오라토리오 형식을 택한 것은 단순히 ‘무대가 필요 없어서’가 아니라, 당시 런던의 종교적·사회적 분위기와 헨델 자신의 음악적 상황이 맞물린 결과라고 볼 수 있습니다.1. 헨델은 원래 오페라 작곡가였습니다헨델은 런던에서 이탈리아 오페라로 상당한 성공을 거둔 작곡가였습니다.그런데 1720~30년대를 지나면서 런던의 이탈리아 오페라 산업 자체가 어려워집니다.제작비가 매우 비쌌고유명 가수들의 출연료가 높았으며관객의 취향도 변하고 있었고오페라단 간 경쟁도 심했습니다.그래서 헨델은 새로운 형태의 음악극을 찾게 됩니다.그 과정에서 발전한 것이 바로 영어 오라토리오입니다.2. 오라토리오는 오페라의 장점을 상당 부분 가져올 수 있었습니다이 부분이 재미있습니다.오라토리오는 무대장치와 연기를 하지 않지만,아리아 + 레치타티보 + 합창 + 극적인 음악적 표현이라는 오페라의 핵심적인 음악 언어를 그대로 활용할 수 있었습니다.그래서 헨델 입장에서는비싼 무대장치와 배우를 줄이면서도오페라와 같은 극적인 음악을 만들 수 있었던 것입니다.특히 헨델은 합창을 매우 중요하게 활용했습니다.《메시아》를 들어보면 아리아만큼이나 합창이 강력하죠.“And the glory of the Lord”,“Hallelujah”같은 곡들이 대표적입니다.3. 그런데 《메시아》는 일반적인 '이야기극'과는 조금 다릅니다여기서 중요한 차이가 있습니다.《메시아》에는 예수의 탄생과 죽음, 부활이라는 극적인 사건이 등장하지만, 실제로 예수라는 인물이 무대에 등장해서 행동하는 오페라처럼 구성된 것은 아닙니다.오히려 성경의 사건을 등장인물이 연기하는 것이 아니라, 성경의 말씀을 음악으로 묵상하고 해설하는 방식에 가깝습니다.그래서 《메시아》에는 일반적인 오페라에서 흔히 볼 수 있는주인공 A가 등장 → B와 사랑 → 갈등 → 배신 → 죽음같은 연속적인 극적 줄거리가 없습니다.대신,예언 → 탄생 → 수난과 죽음 → 부활 → 구원이라는 거대한 종교적 서사가 펼쳐집니다.4. 오히려 '무대가 없는 것'이 《메시아》의 장점이 되었습니다예를 들어 예수가 십자가에 못 박히는 장면을 오페라로 무대에 올린다고 생각해 보세요.배우가 등장하고 십자가가 등장하고 실제 사건을 연기해야 합니다.하지만 《메시아》에서는 그것을 음악과 성악으로만 상상하게 합니다.예를 들어 합창이 장대한 소리를 만들어내면 관객은 특정 배우의 연기를 보는 것이 아니라 자신의 머릿속에서 사건을 상상하게 됩니다.이것이 오라토리오의 굉장히 중요한 힘입니다.즉,오페라가 '보여주는 드라마'라면오라토리오는 '들려주고 상상하게 하는 드라마'라고 생각하면 이해하기 쉽습니다.5. 그리고 《메시아》는 처음부터 교회 예배용 작품이었던 것도 아닙니다이것도 많이 오해하는 부분입니다.헨델의 《메시아》는 1742년 아일랜드 더블린에서 초연되었는데, 일반적인 극장 공연 형태로 연주되었습니다.따라서오라토리오 = 교회에서만 연주하는 음악이라고 생각하면 안 됩니다.당시 오라토리오는 극장이나 콘서트홀에서도 공연될 수 있었습니다.특히 《메시아》는 시간이 지나면서 자선공연과 연말 음악회의 성격과도 강하게 연결되었습니다.6. 결국 헨델에게는 아주 절묘한 선택이었습니다정리하면 이렇게 볼 수 있습니다.이탈리아 오페라무대 + 배우 + 의상 + 세트 + 스타 가수↓비용이 많이 들고 제작이 복잡함영어 오라토리오성악 독창 + 합창 + 오케스트라 + 성경적 이야기↓무대 없이도 강력한 극적 효과 가능그리고 헨델은 여기에 영어 가사와 웅장한 합창을 결합했습니다.그래서 《메시아》는 오페라와 비슷한 극적 음악을 가지고 있으면서도, 개인의 사랑이나 정치적 사건이 아니라 인류의 구원이라는 거대한 주제를 다루는 작품이 될 수 있었습니다.한 문장으로 정리하면헨델은 오페라의 극적인 음악 언어는 유지하면서도, 값비싼 무대와 스타 중심의 오페라를 벗어나 성경의 메시지와 합창의 힘을 중심에 놓기 위해 오라토리오라는 형식을 적극적으로 활용했고, 《메시아》는 그 정점에 있는 작품이라고 볼 수 있습니다.