지휘자겸 성악가 강경원입니다
음악
Q. 홈쇼핑에서 판매 홍보를 하면서 (유명한 국내 가요)를 틀어 주는데요 ?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.네, 홈쇼핑 방송에서 노래가 사용될 경우, 방송사는 해당 노래의 저작권을 가진 사람이나 기관(저작권 소유자)에게 저작권 사용료를 지급해야 합니다. 이는 방송에서 노래의 풀버전이 나가거나 잠시 나왔을 때에도 마찬가지입니다. 저작권에는 음악의 작곡, 작사, 연주 등 다양한 권리가 포함되며, 이를 사용하기 위해서는 해당 권리를 가진 사람들로부터 허가를 받아야 하고, 이에 따라 사용료를 지급하는 과정이 필요합니다.따라서 홈쇼핑 방송이 노래를 사용했다면, 저작권료를 정당하게 지불하는 절차를 거쳤을 가능성이 큽니다.
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Q. 오페라에서 레치타티보와 이리아는 어떻게 다르고 각각 어떤 역할을 하나요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.레치타티보는 주로 이야기의 흐름을 끌어가는 역할을 하며, 등장인물 간의 상호작용이나 사건 전개를 신속하게 설명합니다. 예를 들어, 한 장면에서 다른 장면으로 넘어가는 전환점에서 사용되며, 관객이 이야기를 따라갈 수 있도록 돕습니다.아리아는 감정적인 고조를 이끌어내며, 인물의 내면적인 갈등, 사랑, 절망 등의 감정을 관객에게 강렬하게 전달합니다. 아리아는 종종 오페라의 하이라이트로 간주되며, 관객의 감정적 반응을 유도하는 중요한 순간입니다.결론레치타티보와 아리아는 오페라에서 상호 보완적인 역할을 하며, 레치타티보는 이야기의 흐름과 대화를 전달하고, 아리아는 감정을 깊이 있게 표현합니다. 이 두 형식은 오페라에서 음악과 극적인 요소를 결합하는 중요한 역할을 하며, 각기 다른 방식으로 관객에게 강한 인상을 남깁니다.
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Q. 중세 시대의 모노포니와 르네상스 시대의 폴리포니는 어떻게 다른지요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.중세 모토포니는 단선적인 음악이 중심이었던 반면, 르네상스 폴리포니는 여러 개의 선율이 동시에 진행되는 복잡한 구조로 발전했습니다. 이는 음악적 표현의 다양성과 깊이를 추구하려는 경향의 결과로, 중세에서 르네상스로 넘어가는 중요한 음악적 전환을 나타냅니다.
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Q. 음악 심리학에서 말하는 모짜르트 효과의 실제 과학적 근거는?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다."모짜르트 효과"라는 개념은 1993년에 발표된 알프레드 A. 모슬리(Alfred A. Mozart)의 연구에서 유래된 것으로, 특정한 유형의 클래식 음악, 특히 모차르트의 음악을 듣는 것이 일시적으로 사람들의 인지 능력, 특히 공간적 사고 능력을 향상시킨다는 주장입니다. 이 연구는 실험 참가자들이 모차르트의 "두 개의 피아노를 위한 소나타"를 들었을 때, IQ 테스트에서 더 나은 성과를 보였다는 결과를 기반으로 했습니다.하지만, 이 연구 결과에 대한 과학적 근거는 그 이후로 논란이 많고, 후속 연구들에서는 모짜르트 효과의 존재를 확실히 입증하지 못했습니다. 여러 연구에서 모차르트의 음악이 인지 능력에 미치는 영향을 확인하려 했지만, 효과는 일시적이며 다른 요소들—예를 들어, 음악 감상으로 인한 기분 변화나 이완 상태—이 더 중요한 역할을 한다고 결론지었습니다.모짜르트 효과의 과학적 근거는 아직 확실하지 않지만, 음악이 심리적, 생리적 상태에 미치는 영향은 잘 알려져 있습니다. 음악 치료는 실제로 여러 심리적, 신경학적 상태에 긍정적인 영향을 미칠 수 있다는 연구 결과들이 있습니다. 예를 들어, 클래식 음악이나 편안한 음악을 듣는 것이 스트레스를 줄이고, 집중력을 높이며, 감정 조절을 돕는 효과가 있다고 알려져 있습니다.따라서, 모짜르트 효과라는 용어가 과학적으로 명확한 근거를 가진다고 하기는 어렵지만, 음악이 심리적 및 신경학적 건강에 긍정적인 영향을 미친다는 일반적인 원리는 인정되고 있으며, 이를 활용한 음악 치료는 다양한 분야에서 유용하게 사용되고 있습니다.
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Q. 민족 음악학에서 바라보는 우리나라 전통 음악의 고유한 특징은 무엇인가요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.우리나라 전통 음악의 고유한 특징은 민족 음악학적인 관점에서 여러 측면에서 독특한 면모를 보입니다. 주요한 특징들은 다음과 같습니다:1. 선율의 흐름과 음계: 한국 전통 음악에서는 독특한 음계 체계인 '음계'가 중요합니다. 특히 '5음음계'(도, 레, 미, 솔, 라)나 '7음음계'를 사용하는 경우가 많습니다. 이러한 음계는 다른 나라의 음악과 비교했을 때 좀 더 미세한 감정을 표현할 수 있도록 돕는 특성을 가집니다. 또한 선율의 흐름은 자연스럽고 구슬처럼 이어지는 형태로, 한 음에서 다른 음으로의 전이가 부드럽고 유기적입니다.2. 리듬과 박자: 한국 전통 음악은 다양한 리듬 패턴과 박자를 사용합니다. 대표적으로는 '장단'이라고 불리는 반복적인 리듬 구조가 중요합니다. 예를 들어, 판소리, 민속 음악, 사물놀이 등에서는 각기 다른 장단을 통해 음악의 흐름을 이끌고, 이러한 장단은 음악의 표현력과 감동을 극대화합니다. 특히 한국 전통 음악은 리듬에 있어 자유로움과 변화를 많이 허용하는 특성을 지니고 있습니다.3. 소리의 특성: 한국 전통 음악은 '발음'과 '소리'에 매우 중요한 의미를 둡니다. 예를 들어, 판소리나 민속 노래에서는 '소리'의 울림과 발음을 중요시하며, 이는 감정 표현이나 이야기를 전달하는 데 큰 역할을 합니다. 또한, '처음'과 '끝'이 없는 지속적인 소리의 흐름을 중시하며, 음의 시작과 끝을 명확하게 구분하지 않고 표현하는 경향이 있습니다.4. 감정 표현: 한국 전통 음악은 매우 감성적이고 내면적인 표현을 중시합니다. '한'이라는 감정적 개념은 한국의 전통 음악에서 중요한 부분을 차지하는데, 이는 억눌린 감정이나 아픔, 슬픔 등을 음악을 통해 표출하는 방식입니다. 특히 판소리나 민속 음악에서 이 감정을 더욱 뚜렷하게 볼 수 있습니다.5. 즉흥성과 변형: 한국 전통 음악은 일정한 규칙을 따르면서도 즉흥적으로 변형할 수 있는 여지를 가지고 있습니다. 예를 들어, 판소리나 정악에서는 특정 부분을 변화시켜서 감정을 강조하거나 표현할 수 있는 유연성을 가집니다. 이는 음악의 생동감을 더욱 강화하는 요소로 작용합니다.이와 같은 특징들은 한국 전통 음악이 다른 문화권의 음악과 차별화되는 고유한 면모를 제공하며, 이를 통해 한국 문화와 감성을 고스란히 담고 있습니다. 민족 음악학적으로 이러한 전통 음악의 특성들은 한국의 문화적 정체성과 밀접하게 연관되어 있으며, 역사적, 사회적 맥락에서도 중요한 의미를 지닌다고 볼 수 있습니다.
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Q. 작곡과 작사는 아는데, 편곡은 무엇이고 얼마만큼 중요하나요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.편곡은 원곡의 기본적인 틀을 바탕으로, 악기 배열, 리듬, 템포, 하모니 등을 재구성하는 과정입니다. 즉, 편곡자는 곡의 느낌이나 분위기, 스타일을 새롭게 만들어내는 역할을 합니다. 예를 들어, 원곡이 발라드라면 편곡을 통해 그 곡을 록이나 재즈 스타일로 바꿀 수도 있고, 악기를 추가하거나 변형시켜 곡의 색깔을 바꾸기도 합니다.편곡이 중요한 이유는 그 곡이 어떻게 들리고, 어떤 감정을 전달할지에 큰 영향을 미치기 때문입니다. 경연 프로그램에서 리메이크 곡을 다룰 때 편곡을 신경 쓰는 이유는, 기존의 곡을 새로운 방식으로 표현하여 청중에게 새로운 감동을 줄 수 있기 때문입니다. 특히, 원곡을 잘 아는 청중이라면, 기존의 곡과 차별화된 편곡을 통해 새로움을 느낄 수 있습니다.편곡은 단순히 곡을 바꾸는 것 이상으로, 곡의 핵심적인 메시지나 감정을 강화하는 데 중요한 역할을 합니다. 따라서 편곡은 작곡이나 작사와 함께 음악의 완성도를 결정짓는 중요한 과정입니다.
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Q. 노래를 부를 때 소프라노의 특징은 뭘까요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.소프라노는 고음을 노래하며 장점을 나타낸다면 알토는 저음의 아름다운 장점이 있는 파트입니다.바이올린과 같이 고음의 아름다움이 있어서 맑고 섬세한 표현을 할수있는 파트가 소프라노 라면, 비올라나 첼로 같이 중저음이 좋은 파트가 알토파트지요!
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Q. 교회마다 성가대가 있는데 성가대의 시작은 어디서부터 일까요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.성가대는 교회에서 찬양을 담당하는 음악 그룹으로, 그 유래는 기독교의 초대 교회로 거슬러 올라갑니다. 초대 교회에서 예배는 주로 구약 성경을 토대로 한 기도와 찬양으로 진행되었으며, 초기 기독교 교회에서는 이미 신앙 공동체의 일원들이 함께 찬양을 불렀습니다. 그러나 성가대가 본격적으로 형성된 것은 중세 기독교 시대에 이르러, 특히 4세기부터 12세기 사이에 성가대의 형태가 발전하기 시작했습니다. 그 당시 교회에서 성가대는 주로 성직자와 수도사들로 구성되었으며, 그들이 예배 중에 성경 구절을 노래로 부르기도 했습니다. 이후, 교회 음악의 발전과 함께 평신도들이 참여하는 성가대도 점차 확립되었습니다.성가대의 주요 역할은 예배 중 찬양을 통해 신앙을 표현하고, 신도들의 경건한 마음을 돕는 것입니다. 그들은 성경의 구절을 노래로 표현하거나 예배의 특정 순간에 찬양을 부르며, 예배의 영적인 분위기를 고양시킵니다.성가대를 하기 위한 자격은 교회마다 다를 수 있지만, 일반적으로 다음과 같은 자격이 요구됩니다:1. 음악적 소양: 성가대는 종종 합창과 음성 조화가 중요한 역할을 하므로, 기본적인 음악적 소양과 악보를 읽을 수 있는 능력이 필요합니다.2. 신앙의 열정: 성가대는 신앙의 표현이기 때문에, 참가자는 예배와 신앙의 의미를 잘 이해하고, 그 뜻을 찬양으로 나타낼 수 있는 열정이 필요합니다.3. 성실성: 성가대는 정기적인 연습과 예배 참여가 요구되므로, 일정한 시간에 참석할 수 있는 성실성이 중요합니다.4. 음성 훈련: 일부 교회에서는 성가대 참가자에게 음성 훈련을 제공하거나 음성 훈련을 받은 사람을 선호하기도 합니다.각 교회의 성가대에는 입단 조건이 다를 수 있으며, 때로는 오디션을 통해 선발하기도 합니다.
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Q. 바그너가 변화하는 음악..음악이 새롭게
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.변화와 보수적인 음악을 주장한 사람으로는 클래식 음악의 역사에서 몇몇 중요한 인물이 떠오를 수 있습니다.1. 리하르트 바그너 (Richard Wagner): 그는 전통적인 음악 형식과 규범에 대한 비판적 사고를 했으며, 음악의 혁신을 주장한 인물로 꼽힙니다. 그는 오페라와 음악극의 새로운 방향을 제시했지만, 동시에 보수적인 음악과 음악 형식에 대한 전통적인 시각을 가지고 있기도 했습니다.2. 요한 제바스티안 바흐 (Johann Sebastian Bach): 바흐는 전통적인 바로크 음악의 대표적인 작곡가였으며, 그의 작품은 변화와 혁신을 반영하기보다는 고전적인 음악 형식을 충실히 따랐습니다.반면, 음악 스타일의 변화를 거부하며 기존의 음악 스타일을 고수하려는 주장은 19세기 후반의 **리스트 (Franz Liszt)**나 **쇼팽 (Chopin)**과 같은 낭만주의 작곡가들에 의해 일부 비판받기도 했습니다. 그들은 때로 전통적인 음악에 대한 과도한 보수적 접근을 비판하고 새로운 음악적 표현을 강조했습니다.따라서 "음악 스타일을 바꿀 수 없다"고 주장했던 사람은 여러 해석이 가능할 수 있지만, 음악의 발전을 거부하거나 전통적인 형식을 지키려 했던 주장은 주로 19세기 이전의 일부 음악적 사고와 관련이 있을 수 있습니다.
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Q. 콘서트와 음악 페스티벌의 차이점은 무엇인가요?
안녕하세요. 강경원 전문가입니다.콘서트는 한 아티스트나 밴드의 음악을 집중적으로 듣고 싶을 때 좋습니다.음악 페스티벌은 다양한 아티스트와 음악을 경험하고, 축제처럼 활기찬 분위기를 즐기고 싶을 때 더 적합합니다.자신의 음악 취향과 어떤 분위기를 선호하는지에 따라 선택하면 더 만족스러운 경험을 할 수 있을 것입니다.